听！孩子阅读的心在发芽: 中国艺术与文化·与艺术相伴 (2册-平)

原价RM156.00/套

《与艺术相伴》《中国艺术与文化》两册。《与艺术相伴》为美国最畅销的艺术基础概论教材，自1985年第一版以来，不断再版，赢得过包括纽约图书展最佳设计和制作奖项在内的多项大奖，深受艺术院校师生的欢迎。

《中国艺术与文化》自2001年初版以来，已被芝加哥大学、斯坦福大学、华盛顿大学等美国多所院校采用为教材。2006年，作者在初版的基础上进行了修订，在保持通俗易懂的风格基础上，更能迎合读者对新知的渴求。

媒体评论
郑岩：不谈文化，美术难以构成一部“史”
文章来源：解放日报
出版社约我为《中国艺术与文化》的中文版撰写序言，巧得很，收到电子邮件时，我刚读完这部书的英文版，书还放在案头。我很高兴这部写中国的书能以中文出版。我与两位作者并不熟悉，此前只在书上“见”过杜朴教授，与文以诚教授也只有一面之交，所以，我只能拉拉杂杂地写一点阅读的感受。

首先吸引我的是书名。作为中国美术史(或称“艺术史”，下同)的通论性著作，其标题中多出了“文化”两字，在我看来，这本身就反映了美国中国美术史研究一个重要的变化。

大致说来，美国的中国美术史研究传统上主要有两个派别，一派强调研究艺术作品材料、技术和风格，另一派别则强调探讨艺术作品内容、意义及相关的历史和文化背景。两派分歧的根源可以追溯到美术史学在欧洲发展时不同的立场与方法。例如，属于前一派的巴赫霍夫是瑞士美术史家沃尔夫林的弟子，而沃氏是形式主义研究最重要的学者。

巴氏在二战之前来到美国，他研究中国的青铜器、文人画，但却不懂中文，也没有到过中国。这样，他的研究就必然限定在形式主义的范围内。巴氏的学生罗越也以研究中国绘画和青铜器著称，他在1953年发表的一篇文章对商代饕餮纹进行了类型划分和排年，所依据的主要是博物馆的藏品，但其基本结论却被殷墟发掘所获的新资料所证实，显示出这一流派强大的学术能量。该流派的一个重要理论前提是：如果承认“中国艺术”也是艺术，那么它们必然符合一般艺术(实际上是西方标准的“艺术”)内在的规律，人们可以通过借助西方解析艺术作品形式的方法来理解中国艺术，而无须过多涉及其背后的历史与文化，唯有专注于艺术自律性的探索，才可以显示出艺术史独特的价值。

后一个派别与汉学的传统有一定的关系。与巴赫霍夫同时的福开森可以看作其早期的代表人物。福氏毕业于波士顿大学，曾长期在中国生活，他在中国办报纸，创办南京汇文书院和南洋公学，与中国上层社会也有密切的交往。基于自己丰富的文物收藏及厚实的中国文史知识，他留下了大量著述，其中《历代著录画目》是研究中国书画重要的工具书。福氏主张重视中国艺术的独特性与纯粹性，他在中国文献方面的深厚造诣令人叹服。此后一些有汉学背景的学者更加强调通过文献研究中国艺术历史背景的重要性。

另外，这一派还受到图像学研究的影响。现代意义的图像学是德国学者瓦尔堡1912年首次提出的。瓦尔堡反对极端的形式主义研究，强调将美术史发展为一种人文科学。德国汉堡大学艺术史教授潘诺夫斯基为躲避纳粹的迫害1933年移居美国，他在1939年出版的《图像学研究》一书标志着图像学的成熟。图像学重视艺术作品内涵的研究，倾向于把作品理解为特定观念和历史的产物。要解释作品的内涵，必须依靠具体的史料，借重多学科的合作。这类主张自然与很多汉学家的看法不谋而合。

上述两派彼此争论，也共生共存。但是，如果试图从一位学者师资传授的“血统”来断定其学术态度的归属，则会落入中国“谱牒之学”的老套子，难以切中肯綮。实际上，许多学者的背景和立场十分复杂，如罗越本人就有着极好的汉学修养；罗越的学生高居翰则倾向于社会史的研究，大有离经叛道、欺师灭祖之嫌。两派分歧的产生既源于美术史学科本身方法论的差别，也在于如何认识中国艺术这个与西方艺术既不同、又相似的系统。说到底，面对中国艺术，西方学者既要重新思考什么是“艺术”，又要回答什么是“中国”。尽管两派对立的余波今天仍时有浮现，但从20世纪中叶开始，就有不少学者致力于化解这种对立。越来越多的人认识到，只有同时将“中国”和“艺术”联系起来，才能全面地理解中国艺术；也只有将中国艺术、印度艺术、非洲艺术……考虑进来，才能使美术史学得到更新和发展。

我对《中国艺术与文化》两位作者的师承背景并不十分了解，如前所述，门第出身并不重要，关键在于他们所处的时代。这部书的标题明确地将“艺术”与“文化”这两个关键词联结在一起，反映出中国美术史研究一种时代性的变化。在今天，如果不谈艺术作品本身的形式与风格，美术史将失去自身的意义；如果不谈文化，中国美术也难以构成一部“史”。在这样一个题目下，这部书就不再是一个偏执的系统，而是一种开放性的格局，作者可自如地吸收中国美术史研究两种传统之所长，左右逢源。果然，我们在书中处处可以看到作者对于政治、经济、地域文化以及社会结构的关注，同时，又处处可见对于作品材料、形式和母题细致入微的观察与分析。

“文化”一词的包容性和模糊性，还使得这部书所讨论的问题超越了传统美术史的框架。虽然其核心仍旧是美术史，而不是一般意义的文化史，但是读者会注意到，书中不再按照绘画、雕塑、建筑、工艺美术等分门别类地组织材料，而是转向了对于视觉艺术史的叙述。“绘画”、“雕塑”、“建筑”、“工艺美术”等概念虽然依旧存在，但作品的技术和物质形态不再是基本的分类标准和叙事脉络，书中的文字常常漫溢出“杰作”的范围，流布于更广泛的视觉性、物质性材料中，而背后的社会历史也与这些作品紧密地联系起来。诸如临潼姜寨新石器时代聚落形态与社会结构、元代沉船瓷器与国际化贸易、管道升的绘画与作者性别、从费丹旭到张晓刚与家庭概念的转化……作品内部和外部的各种元素全都融为一体，呈现出纷繁复杂的多元、多维结构，而与这些细节相关的历史断代、价值体系等大是大非，也相应地做出了重要的更新。这些变化与近几十年来美术史，乃至整个史学的发展息息相关，也使得这部书充满新意，生机勃勃。

郑岩：超越传统的洋教材
来源：新京报
2000年9月我在北京的一次会议上听到有位先生发言，他说，在中国，20世纪是“教材的美术史的世纪”，21世纪将是“问题的美术史的世纪”。如此概括20世纪未必全面，但的确很传神。

中国拥有世界上第一部绘画通史的著作，即晚唐人张彦远的《历代名画记》。但是，这个伟大的传统在19世纪末萎缩为皇家收藏的清单和排他性的绘画门派史。当中国转化为现代国家时，中国美术史的写作首先是将“过去”看作总体的传统，清理出一本总账，通史的写作是必须的功课。这本总账的建立基本上是循着“美术”(fine arts)这个新词，套用西方和日本书写的格式，并把中国原有的“画学”纳入其中，这种做法也与新式美术学院系科的划分方式一致。

新中国成立以后，大部分美术史系建立在美术学院而非综合性大学，这就使得按照“绘画、雕塑、建筑、工艺美术”进行分类的基本框架更为合法，并成为长期稳定、影响广泛的范式。中国的美术史教科书预设的读者主要不是公众或其他学科的研究者，而是美术史系隔壁的艺术家及其学生们。这种状况不仅影响了通史的写作，也在很大程度上决定着整个学科的定位。

这本美国人写的《中国艺术与文化》作为中国美术史的通论性著作，其标题中多出了“文化”两字，在我看来，这本身就反映了美国中国美术史研究一个重要的变化。

大致说来，美国的中国美术史研究传统上主要有两个派别，一派强调研究艺术作品材料、技术和风格，另一派别则强调探讨艺术作品内容、意义及相关的历史和文化背景。两派分歧的根源可以追溯到美术史学在欧洲发展时不同的立场与方法。

据我所知，近年来美国多所大学选用了这部书作为中国美术史课程的教材。这部书的标题明确地将“艺术”与“文化”这两个关键词联结在一起，反映出中国美术史研究一种时代性的变化。

“文化”一词的包容性和模糊性，还使得这部书所讨论的问题超越了传统美术史的框架。虽然其核心仍旧是美术史，而不是一般意义的文化史，但是读者会注意到，书中不再按照绘画、雕塑、建筑、工艺美术等分门别类地组织材料，而是转向了对于视觉艺术史的叙述。“绘画”、“雕塑”、“建筑”、“工艺美术”等概念虽然依旧存在，但作品的技术和物质形态不再是基本的分类标准和叙事脉络，背后的社会历史也与这些作品紧密地联系起来。

诸如临潼姜寨新石器时代聚落形态与社会结构、元代沉船瓷器与国际化贸易、管道升的绘画与作者性别、从费丹旭到张晓刚与家庭概念的转化……作品内部和外部的各种元素全都融为一体，呈现出纷繁复杂的多元、多维结构。这些变化与近几十年来美术史，乃至整个史学的发展息息相关，也使得这部书充满新意，生机勃勃。

记得前段时间，我请一位学生帮忙收集各种新版本的中国美术史教材。她从网上书店一下子找到几十种，快递公司送来满满两箱。从那两箱子书来看，新世纪虽然已过了十年，但21世纪仍在延续。令人难过的是，其中至少一半著作的结构和内容大同小异。

借着两位美国学者的著作说到这件令人尴尬的事情，有点“家丑外扬”之嫌。但是，中国美术史的写作早已不是中国人关上门来自己做的事情，读他们的书，我们又如何能不想这些事儿呢？

《与艺术相伴》

全书主要分为两大部分。第一部分讨论了艺术的主题和目的，介绍了构成艺术品的艺术元素，进而分门别类地讲解了二维艺术形式(素描、绘画、版画、摄影机和计算机艺术、平面设计)和三维艺术形式(雕塑和装置、手工艺品、建筑)；第二部分则按照年代顺序，简要生动地描述了世界艺术历史的发展，有力地表明了人类在走过的漫长岁月中艺术进取精神的连续性。这种史论结合的写法，综合了艺术理论与艺术史两种教材的优点，使读者在学习艺术理论时有丰富的例证具化抽象概念，反过来又能站在理论高度俯察艺术的历史进程，加深对人类艺术行为本身的理解。

全书配有从世界各个文化和历史时期精心挑选的艺术品图片近700幅,有助于读者直观的理解艺术。其中，理论部分提及的大部分图片，将以缩图的形式在艺术史部分中重现，这种“相关作品”专栏的设置，把全书的两大部分有机结合起来，方便读者达到最好的学习效果。
原价RM88.00/册

作者简介
(美国)马克·盖特雷恩(Mark Getlein) 译者：王滢
马克·盖特雷恩(Mark Getlein)：原本在纽约朱莉亚音乐学院学习音乐，但他很快就被纽约的艺术活动和丰富的博物馆收藏深深地迷住了。他既是钢琴家，也是画家。作为作家和策划编辑，他参与开发了一系列开创性的大学文学与艺术课本，包括《艺术史》、《非洲艺术史》、《哈珀柯林斯世界文学》、《朗曼英国文学选》和《朗曼世界文学选》等，本书是作者独立编写的最有名的艺术基础概论课本。

王滢：北京大学艺术学院艺术学专业研究生。曾为广西师范大学出版社编辑，现为自由职业者。曾参与翻译H.w.Janson《艺术史》和约翰·奥尼恩斯《世界艺术地图》。

目录
前言 1
第1部分导论
第1章与艺术相伴 2
第2章艺术是什么？ 20
第3章艺术的主题 54

第2部分艺术语汇
第4章视觉元素 85
第5章设计原则 125

第3部分二维媒介
第6章素描 153
第7章绘画 170
第8章版画 189
第9章摄影机艺术与计算机艺术 211
第10章平面设计 252

第4部分三维媒介
第11章雕塑和装置 267
第12章手工艺 294
第13章建筑 312

第5部分艺术史
第14章古代地中海世界 351
第15章基督教与欧洲的形成 379
第16章文艺复兴 395
第17章 17世纪和18世纪 423
第18章伊斯兰艺术和非洲艺术 445
第19章东亚艺术：印度、中国和日本 460
第20章太平洋和美洲艺术 488
第21章现代世界：1800~1945年 508
第22章 1945年以来的艺术 541
相关网上资源 577
延伸阅读 578
术语表 581
译后记 592

《中国艺术与文化》

最具活力且从未断裂的艺术传统有令人耳目一新的明晰审视。从7000年前新石器时代的制陶和琢玉文化到当代艺术家的装置、影像和行为作品，这部引人入胜的纵览包含了中国艺术的丰富性和复杂性，有助于大学课堂教学。

《中国艺术与文化》是一部独特的中国艺术著作。不同于对各个朝代和风格的平淡叙述，权威学者杜朴和文以诚将艺术呈现为社会愿望、政治、物质文化、信仰体系及更广泛领域的一种文化表达。他们强调发现于原处考古环境的古代艺术和建筑作品。当缺乏原处环境时，他们重建单个作品与其产生环境的相互关联。在广阔的文化图景中，他们加入了对作品材质和生产技术的关注。同样重要的是，两位作者给予民间、宗教艺术和手工艺应有的关注。本书图片丰富—有些作品以前几乎从未刊布过，并设有专题栏目。这部久被期待的著作既反映当前的学术研究，又通俗易懂，满足了学习中国艺术的师生们的需求。
原价RM68.00/册

作者简介
(美)杜朴、文以诚译者:张欣
杜朴(Robert L. Thorp)：早期中国艺术领域的权威学者，华盛顿大学圣路易斯分校艺术史和考古系教授，著述丰硕。杜朴博士除了在远东广泛的游历和田野考古工作，还合作策划了几个重要的展览，并受邀在每个以中国艺术收藏著称的美国博物馆做讲座。

文以诚(Richard Ellis Vinograd)：1995年起任斯坦福大学艺术和艺术史系主任，晚期中国(宋代至今)艺术领域备受尊崇的学者，获得众多奖项和荣誉。著有《自我的界限：1600~1900年的中国肖像画》(Boundaries of the Self: Chinese Portraits 1600~1900)，在许多重要刊物上发表过文章和书评。文以诚博士经常受邀以演讲者、评审或研讨者的身份出席有关中国艺术和文化的会议和论坛。张欣，中国艺术研究院建筑艺术研究所助理研究员。

目录
序言我读《中国艺术与文化》郑岩 1
致中国读者7
导言9
第1章史前渊源：新石器时代晚期文化 2
第2章青铜时代早期：商和西周 31
第3章青铜时代晚期：东周 65
第4章最初的帝国：秦汉 95
第5章佛教时代：分裂阶段 127
第6章新帝国：隋唐 161
第7章宋代技术和文化 201
第8章元代至明代中期的官方、个人和城市艺术 255
第9章艺术体系与流通：晚明至清代中期 293
第10章十九二十世纪中国艺术的身份和群体 343
延伸阅读 392
译后记 410
出版后记 410

后记
读者只要随意翻开这本书的某一页，认真地读上两段，估计马上就能够明白，为什么这样厚厚的一本书，能够成为美国最畅销的艺术概论教材。

一提起教材，读者可能第一反应就会认为书中充满了晦涩的术语，一丝不苟的条分缕析。没错，书中确实有大量的概念，都以黑体字凸显了出来，也有对问题的深入探讨，可是马克·盖特雷恩以自己天才的处理方式使它们与众不同、富于魅力，因为他自己就是一位多才多艺的艺术家，而非躲在概念堡垒之中的学院派。这样一位浸润在艺术之中的作者，使出自己全部的热情，为每一个概念、每一个结论寻找最恰适的作为例证的艺术品，接着又调动自己全部的想象力和写作技巧，以最有感染力的方式为读者讲解每件艺术品的妙处。一切的努力只为一个目的~在能够使读者以最为纯粹的感性的方式直接观赏印刷精美的艺术品的基础上，通过灌注在文字内容之中的理性的引导，消弭读者与艺术品之间的物质阻隔，使读者的灵魂与艺术精神相遇，使读者的生活能够有艺术相伴。

马克·盖特雷恩在本书中做到的另一项壮举是将艺术理论与艺术史两部分完美的有机结合起来，这是通过“相关作品”专栏的设置达成的。在步入对全球的艺术历史进行历时性鸟瞰之前，作者已经讨论了艺术的主题和目的，介绍了构成艺术品的艺术元素，分门别类讲解了二维艺术形式和三维艺术形式，将读者领入宽广的艺术领域，在这个过程中作为图例出现的艺术作品，大部分将以缩微图的形式作为“相关作品”出现在艺术史部分之中。这样，书中所有的艺术品都将获得一个历史坐标，读者对艺术的理解也将从平面转向纵深拉伸，最终得到立体的全方位的认识。

马克·盖特雷恩对艺术的热忱也是这本书得以畅销的最大保障之一。自1985年初版以来，盖特雷恩始终在孜孜以求质量更高的艺术品图像，更替更具有说服力的图例，始终保持着对当代艺术发展趋势敏锐的嗅觉，不断跟踪与艺术有关的历史遗留问题的最新进展状况，这一切使得这本教材每一次修订都会给读者带来新的惊喜，带来更为广阔的艺术天地，其本身也如一件艺术品一般熠熠生光。
让我们拭目以待，看看盖特雷恩能否令你与艺术共生。

文摘
对商代时王和民众影响最大的神灵是逝去的王室先祖，甲骨契刻记载了商王谱系：从缔造者成汤到安阳成为祭祀中心时的二十代帝王。此外，在安阳占卜的八九位商王被视为真实的历史人物。王室祖先包括王(父亲、祖父)、后或嫔妃(母亲、祖母)，他们具有监视人世、回应言行的能力，这意味着时王不得不经常占卜，以避免不妥的行为。先祖年代离时王愈远，其神力愈强。周代也要定期举行祖先祭祀，子孙保留家谱，并至少向数代祖先进行献祭。这种以家族为基础的祭祀，后世虽多经修改，仍成为中国社会的一个特征。

商代对祖先神灵的祭拜预示了周代对天的礼仪，天也会监视周王的行为。商周的祭祀都认为祖先有和常人相似的需求。对神灵的定期献祭使得礼器成为商周艺术史的焦点，除了歃血和人殉，祭品更像生人的餐饮。尽管祖先神灵本身需要崇拜和献祭，其对时王的最大价值是作为与帝沟通的中介。按吉德炜的观点，献祭是一种契约性的贿赂，商王由此为自身和属民获得某种结果。商代祭品的种类~肉、谷物、酒、人~再次预示了周代的情形。商代晚期，开放、有自由度的献祭系统转变为一套严格计划、模式固定的仪式。证据显示，西周早期的祭祀建立在晚商体系上，但呈现较大改变，对酒和人血的需要减少，西周青铜礼器种类的变化佐证了仪式习俗的变更。

君王和政体
作为王族和臣属的领袖，商王履行的各种责任可分为世俗／政治和宗教／家族两类，其责任的各方面都和家族(在世和亡故的)及国家相连。西周时期，周王承负相似的角色和责任。许多学者称商王统治为“宗法制”(patrimonialism)，尽管国家组织或许可冠以原始官吏制，官职是任命的，首领和下属之间的关系更类似家庭结构。一个强力的父亲或家长管理几代人的大家族。宗法体系中的效忠是对商王的个人义务，而血缘关系是其中的关键因素。

甲骨契刻记载了商王的发布施令，如建造新城邑、征伐敌人。无论远近，疆域内的新情况不断通报给商王，他自己经常巡视国土，通过或许仅是“招展旌旗”来彰显权威。他关注天气和农业收获，也参加大规模王族狩猎。关于祭祀的大量占卜是商王礼仪职责的第一步，对先祖和自然神每日、每周，以及其他不很频繁的祭祀占据了商王的大部分时间。在这些活动中，来自王室和其他强势宗族的成员辅助商王，由礼仪官、贞人、记录员和将领组成的臣属(初期的官吏)履行商王随时的吩咐，甲骨文中记载的120多名贞人可能来自王室支系和其他宗族，承担许多相同职责的王室嫔妃也要协助商王。